Mark Jenkin sur l’utilisation troublante du temps d’Enys Men
Dans le nouveau film d’horreur folklorique de Cornouailles du réalisateur Mark Jenkin Enys Hommes, prononcé « Ennis Mane », la routine est troublante. Situé en 1973 sur la «Stone Island» inhabitée et éponyme – traduite du cornique – chaque jour, un bénévole sans nom (joué par Mary Woodvine) démarre un générateur, fait du thé, vérifie les fleurs sauvages, mesure la température du sol et laisse tomber une pierre dans un puits de mine alors qu’elle écoute l’entendre tomber en dessous. Ensuite, elle enregistre « Pas de changement » dans un journal. Mais alors les choses commencent à changer.
La notion de temps commence à fluctuer, même dès les premiers instants du film pour le spectateur très observateur. Bien qu’elle soit censée être seule sur l’île, elle commence à rencontrer et à interagir avec des visiteurs étranges ou des fantômes. Ensuite, il y a les lichens. L’organisme composite apparaît sur les fleurs et commence à apparaître sur son propre corps. Tout cela se déroule alors qu’un grand monument en pierre se dresse en sentinelle à l’extérieur de son chalet, jusqu’à ce qu’il ne le fasse plus.
Filmé en 16MM, Enys Hommes est granuleux et joue efficacement avec la couleur, mettant en valeur les yeux bleus glacés de Woodvine et son ciré de pluie rouge, évocateur de celui vu dans Ne regarde pas maintenant (sorti en 1973, il se trouve). De plus, cela ressemble à une vidéo perdue dans le temps et se déroule comme si le spectateur assistait à une histoire racontée dans le désordre, regardant le lent dénouement de la réalité et de la santé mentale de The Volunteer.
Jenkin, qui a déjà remporté un BAFTA pour son film Appât, m’a rejoint dans un récent épisode de l’émission de culture pop paranormale Talking Strange (disponible sur YouTube, Apple Podcasts et Spotify) pour discuter de son film à combustion lente, qui a été présenté en première en 2022 au Festival de Cannes. Dans la conversation suivante, il partage avec moi pourquoi il est défini comme une horreur folklorique de Cornouailles, ainsi que les hommages intentionnels et accidentels à l’horreur des années 1970 et l’expérience du film avec la nature troublante du temps.
MobiGeeks : Pourquoi considérez-vous cela comme un forror folklorique de Cornouailles ?
Marc Jenkin : Pour commencer, nous avions besoin d’un label pour cela. J’ai été pressé de le décrire, et la description originale était « Une horreur folklorique perdue de Cornouailles ». Quelqu’un de l’équipe marketing a dit : « Ne le décrivez pas comme perdu. » Ensuite, c’était « l’horreur folklorique de Cornouailles ». J’étais prudent d’utiliser le mot « horreur ». Ma crainte était que les fans d’horreur soient déçus par l’élément d’horreur, et le public qui pensait ne pas aimer l’horreur ne verrait pas le film. Ensuite, nous l’avons appelé « folk de Cornouailles », ce qui ne veut rien dire ! Ensuite, nous avons abandonné « folk » et avons commencé à l’appeler un « film de Cornouailles ».
Nous avons bouclé la boucle en fonction de la réaction du public, et je suis assez heureux de l’appeler à nouveau une «horreur folklorique de Cornouailles». Mon envie de l’appeler une horreur folklorique de Cornouailles était due à ma propre idée que l’horreur folklorique était un peu comme un sous-genre d’horreur britannique, voire anglais, auquel je ne voulais pas vraiment m’associer parce que je ne pensais pas que nous faisaient partie de ce genre de pastorale, joyeuse vieille Angleterre. Parce que, à Cornwall, nous ne sommes pas si historiquement ou culturellement. J’avais très envie d’y mettre du cornique. Depuis, je me suis davantage éduqué, et je me rends compte que partout où il y a une tradition cinématographique, il y a aussi une tradition folklorique. Et inévitablement, il y a une tradition d’horreur populaire. Je pense, vous savez, pour moi, que tous ces mots sont assez importants. Le caractère cornique de celui-ci est important parce que c’est un film cornique, il a été réalisé à Cornwall. Le cadre est cornouaillais.
Les lichens apparaissent régulièrement tout au long du film. C’est un organisme composite. S’agit-il d’une histoire de fantôme composite où la terre elle-même fait également partie de la hantise ?
Vous pourriez le lire comme ça, ouais. Beaucoup de gens ont parlé de l’élément lichen et de ce qu’on croit être. Nous en apprenons encore sur les lichens et ses nombreux mystères. Le lichen est en quelque sorte au centre du thème du film. Pour moi, plus en termes d’intemporalité, c’est sa capacité à s’adapter et à survivre à tout le reste. Mais j’aime ta lecture.
Il y a une émission de radio au début qui suggère que le temps est fluide. Y a-t-il un réglage de temps pour cela?
Eh bien, c’est 1973 comme point de départ. Le temps semble certainement aller dans tous les sens plutôt que dans un seul sens… Quand le temps n’a pas de sens, c’est une véritable horreur pour moi. Je me souviens de la première fois que j’ai vu Ne regarde pas maintenant, et où Donald Sutherland voit passer la péniche. Je me souviens avoir regardé cela en pensant à ce qui se passait là-bas et en étant vraiment confus comme le personnage. Puis, 10 minutes plus tard, le sou tombe, et il y a juste un moment absolument effrayant de glissement de temps. Ce truc m’a vraiment déstabilisé.
Je suis content que tu aies évoqué Ne regarde pas maintenant. Comme ce film, c’est un film où la couleur joue un rôle important avec le personnage. Et puis esthétiquement, ce film se sent enfermé dans le début des années 70. Est-ce un hommage intentionnel à l’horreur de cette époque ?
Je savais que ça allait se passer au début des années 70. Je voulais qu’il se sente de cette époque sans vraiment être trop exagéré à ce sujet. Je n’y ai pas du tout pensé pendant le tournage. Je n’ai pas pensé (pendant le tournage) « C’est un film qui se déroule dans les années 70 ». Mais l’équipement que j’utilise, et la façon dont je travaille avec cet équipement : en utilisant une caméra Bolex qui est juste là sur mon épaule, et c’est une horloge, vous ne pouvez faire fonctionner la caméra que pendant 27 secondes avec un vent, cela prend des rouleaux de 100 pieds de film donc vous changez constamment de rouleaux. Je tourne de manière fragmentée, ce qui entraîne de nombreux montages au sein du montage. N’enregistrez pas non plus de son, post-synchronisez le son, en utilisant d’anciens objectifs. C’est tout ce que j’aime utiliser, donc juste à travers l’équipement que je choisis d’utiliser, il aura cette esthétique. Je n’ai pas du tout besoin d’y penser quand je tourne. J’adore cette époque du cinéma, et il n’y a pas d’hommage direct. Mais la plus évidente est Ne regarde pas maintenant.
D’où la veste rouge de The Volunteer ?
La veste rouge n’était pas un hommage délibéré. C’est quelque chose dans lequel je suis accidentellement entré parce qu’à l’origine, le personnage de Mary allait avoir la veste jaune, et le batelier allait avoir la veste rouge, donc ça allait être l’inverse mais assez tard dans la pré-production, J’ai commencé à m’inquiéter que Mary avec de longs cheveux bruns, un jean bleu et une veste jaune ressemble au personnage de Charlotte Ginsburg dans Lars Von Trier Antéchrist. Alors, j’ai changé les costumes parce que je me suis dit : « Je ne veux pas que quelqu’un pense que c’est un hommage à l’Antéchrist. Puis, très tôt dans le tournage, le premier jour, je crois, j’ai entendu quelqu’un du département artistique dire à l’un des stagiaires : « Oh, oui, les costumes sont un hommage à Ne regarde pas maintenant.” J’étais comme, eh bien, oui, bien sûr. J’ai marché directement là-dedans. (Ne regarde pas maintenant directeur) Nick Roeg est l’un des maîtres en ce qui me concerne. Je pense que l’influence de Roeg sur le film est partout. Mais la veste rouge n’en fait pas partie. C’était un véritable, véritable accident dans lequel j’ai erré.
Y a-t-il un ordre dans ce film où vous pourriez l’arranger de manière linéaire ?
Tu pourrais, mais je pense que ça te rendrait fou. Vous pourriez commencer à faire cela, et au moment où vous arrivez à la fin, vous avez tout en place – vous avez mis en place la dernière partie de la fin – et vous vous rendez compte : « Eh bien, si c’est le cas, alors le début n’est pas ça n’a pas de sens. Donc, vous devez le changer. Pour moi, c’est ce qui m’intrigue dans le temps. Si vous y pensez trop, cela vous rend fou. Vous n’avez qu’à en faire l’expérience et à vous en sortir du mieux que vous pouvez. Il n’y a pas de passé, et il n’y a pas d’avenir. Il n’y a que le moment présent. Le passé n’est qu’une réinvention du moment présent avec un changement de contexte, et le futur est le même. Je pense que le genre de film fonctionne dans cet espace. J’espère.
C’est un film qui demande de l’attention, mais c’est aussi un film qui va interpeller les gens. Comment y inviteriez-vous les gens ?
Oh wow. Juste, je ne sais pas ! Je pense que si je le savais, je travaillerais dans le marketing. Je veux dire, je parlais de ça hier soir, je parlais à Kyle Edward Ball qui a fait Skinarink, et nous parlions de pourquoi il est important de voir le film au cinéma plutôt que de le voir à la maison. J’ai commencé à y penser hier soir. Juste l’idée qu’il y a quelque chose de si particulier à aller voir un film comme celui-ci, ou Skinarink, dans un théâtre, et il s’agit de la nature cinématographique de celui-ci. Cela ne signifie pas cinématographique en termes d’échelle de ce que vous voyez à l’écran, ou même de tout ce que vous voyez à l’écran ou qui sort des haut-parleurs, il s’agit de cet environnement d’être enfermé dans une boîte noire pour un heure et demie et vivre quelque chose sans distraction.
Je sais que vous pouvez le faire à la maison dans certaines circonstances. Mais ma pensée hier soir était, le truc avec le fait d’aller au cinéma pour voir un film est, surtout avec quelque chose qui vous a déstabilisé, quand vous partez, vous devez rentrer chez vous. Si ce film continue à jouer et continue de vous hanter, c’est sous votre peau. Pour moi, c’est une expérience vraiment incroyable. Je me souviens quand je suis allé voir Cygne noir. Je suis allé le voir par moi-même dans un théâtre à quelques kilomètres de chez moi. J’ai dû rentrer chez moi à vélo après, et encore aujourd’hui, toutes ces années plus tard, c’est le souvenir le plus vif d’un retour à vélo avec ce film qui continue de tourner dans ma tête. Les films que j’aime, quand tu quittes la salle, ils tournent encore dans ta tête.
Avec celui-ci, Enys Hommes est un film en trois actes. Nous n’avons tout simplement pas tourné le troisième acte, donc le troisième acte est pour que le public se joue dans sa tête lorsqu’il quitte le cinéma. Je sais que cette approche n’est pas pour tout le monde. Mais pour ceux qui répondent à ces films, je pense que ce sera une bonne expérience.
Enfin, je voulais poser des questions sur The Volunteer. Avec si peu de dialogues, et avec si peu de personnages, tout repose sur la performance de Mary. Quel a été le processus pour l’attirer là-dessus et être la bonne personne pour The Volunteer.
C’est une performance incroyable. Je lui ai toujours dit, si ce film marche, ce sera grâce à ta performance. Et si ça ne marche pas, ce sera ma responsabilité. Je pense que c’est toujours le cas avec le cinéma, ce n’est pas le médium d’un acteur en termes de contrôle, finalement. Je dois le contrôler, mais je ne peux faire un bon film que si elle me donne les éléments de base pour le créer. Et j’ai toujours su que, tu sais,
J’ai écrit le film pour elle, puis j’ai passé un casting assez long parce que je trouvais que c’était trop évident de la mettre dedans. Puis, petit à petit, j’ai fait le tour des maisons et je suis revenu, et j’ai juste dit que j’avais écrit ce film pour toi, ça devrait être toi. Je sais maintenant que je n’aurais pas pu faire ce film sans Mary. Tout le monde dit ça parce qu’une fois le film terminé, on ne peut pas imaginer le film avec quelqu’un d’autre dedans. Mais je pense sincèrement que si c’était avec quelqu’un d’autre, nous serions toujours en train de le tourner maintenant. Elle et moi avons une sténographie assez forte. Elle sait ce que je veux et ce que je peux faire, et je sais de quoi elle est capable, et nous pouvons nous pousser mutuellement. C’est de là que vient ce genre de performance. Elle a été actrice de théâtre. Principalement, elle a grandi dans une sorte de famille de théâtre. Évidemment, avec le théâtre, on s’appuie sur le dialogue, et sur les grands gestes. Mais dans ma façon de travailler, il y a très peu de mots, il y a très peu de place pour le geste. Tout ce truc interne se passe pendant qu’elle construit un personnage, et si ça ne peut pas sortir par des mots, et par des gestes, ça sort par les yeux. Et je pense que c’est pourquoi je pense que c’est une si belle performance.
Enys Hommes est maintenant disponible dans certains cinémas.
Pour en savoir plus sur cette conversation et pour découvrir d’autres personnalités, célébrités et auteurs paranormaux parlant de l’étrangeté inexpliquée et élevée, abonnez-vous à Parler étrange sur Spotify, Apple Podcasts et YouTube, hébergé par Aaron Sagers de Netflix 28 jours hantés et Discovery+/Travel Channel’s Paranormal pris en photo.
